CINE DE VANGUARDIAS

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Cine abstracto

El tema más recurrente es como la cultura de masas se convierte en algo que afecta a una gran cantidad de gente. Debido al contexto crítico que vivía el país, los films tienen una intención crítica política e ideológica. No hay guion férreo ni trama lineal, pero si hay una historia sobre la ciudad. Renuncia a las representaciones realistas y figurativas, basándose en formas geométricas y sensaciones. Existen dos vías de abstracción: el uso de líneas, formas y colores y el uso de imágenes figurativas (sinfonías urbanas: hacen referencia a las ciudades). Tienen como concepto la idea de antitrama, no contar una historia. Uso del movimiento y del dinamismo.

El hombre de la cámara, D.Vertov (1929): Sinfonía urbana que muestra como la modernidad irrumpe en la sociedad y sus consecuencias. Uso de un montaje dinámico, veloz, con movimiento y que asocia ideas. Anti narración, no hay historia, trama múltiple. Hay un trasfondo documental, una intención de ofrecer al espectador una visión distinta de la realidad. Vertov era un documentalista que usaba mucho el recurso de la cámara ojo para "documentalizar" sus gravaciones.

https://www.youtube.com/watch?v=Sh3y5czjx1U

A propósito de Niza, Jean Vigo (1930): sinfonía urbana con intención crítica social des del punto de vista del autor. Contraste de clases sociales. Muestra un carnaval, donde las clases se igualan. La cámara intenta buscar planos muy difíciles con ángulos muy pronunciados, pero la sinfonía no pierde su esencia documental. En ella el montaje asociativo es muy importante y evidente.

https://www.youtube.com/watch?v=T_RZQYvaJGE

Berlín, Sinfonía de una gran ciudad, W.Ruttmann (1927): componente político, uso del movimiento y éxtasis de la visión. Reflejo del maquinismo.

https://www.youtube.com/watch?v=Zg353U4QpxA

Cine soviético

Construcción de espacios abstractos con el objetivo de que exista reacción asociativa. Importancia del montaje y de la forma.

El acorazado de Potemkin, Eisenstein (1925): uso del montaje de atracciones, el espectador debe estar sometido a estímulos de acción psicológica y sensorial, por medio de mecanismos de montaje, con el fin de provocarle un choque emotivo. Uso de imágenes figurativas y construcción de espacios.

https://www.youtube.com/watch?v=n7pWWW3GU5M

Cine moderno italiano

Antonioni dará el paso más radical en ese giro de mentalidad que los cambios sociales producen. Con él hemos salido por completo del entorno de escasez y estamos ya instalados en un contexto de riqueza y prosperidad. Pero esta sociedad que él nos refleja, ajena a las dificultades materiales, también parece ajena a los sentimientos. Como si la abundancia viniera de la mano de la despersonalización, el desarraigo y el vacío. Sus personajes se mueven en la desolación, no creen en nada, no son capaces de amar, se sienten confusos y deshabitados.

La aventura, Antonioni (1960): estilo de encuadre, atracción a los paisajes, hace eco al sentimiento de vacío de los personajes. Tempo lento y plantificado. Muestra el dolor que comporta el mero hecho de estar vivo.

https://www.youtube.com/watch?v=3bqt152OTZU

La noche, Antonioni (1961): personajes perdidos que tratan de intimar y esto les resulta imposible.

https://www.youtube.com/watch?v=0g0ALWHKHlU

El eclipse, Antonioni (1962): imposibilidad del amor, el ritmo de la vida del mundo material no nos deja tiempo para lamentaciones, importancia de la compasión.

https://www.youtube.com/watch?v=XX4EBstGg5A

Cine neorrealista

Su origen se encuentra después de la Segunda Guerra Mundial delante de la preocupación por explicar la verdad que existe detrás de los hechos históricos. Los cineastas sacan sus cameras a la calle, dejando de lado los decorados, los actores, los guiones para reflejar la realidad con personas normales, decorados naturales y argumentos no premeditados.

Se pasa de la imagen-movimiento a la imagen-tiempo (las películas no han de seguir la estructura del cine clásico que “obliga” a casualizar todos los hechos, escribían la historia según la necesidad de sus personajes, sin importarles el número de actos, su estructura…), se usa la estética de la no-reconciliación (no se clausura la historia y se crea una tensión constante ente espectador y película), importancia de la presencia de la realidad.

Así pues, el cine neorrealista utiliza una estética naturalista, la narrativa trata el contexto en el que se vive, la estructura es libre, tiene sentido social reflejado por sus escenarios, juego y fusión géneros cinematográficos, cine de compromiso social, crítica cine ornamental.

Rossellini, máximo representante del neorrealismo:

- Muestra la cicatriz de la guerra en sus películas.

- Niños protagonistas, defensor de su mirada inocente.

- Intención de atrapar realidad del entorno que afecta a sus personajes.

- Neutralidad y objetividad delante los problemas tratados.

Roma, ciudad abierta, Rossellini (1945): nace de la necesidad de explicar qué sucede en Roma durante la ocupación nazi, estética semidocumental.

https://www.youtube.com/watch?v=zCcIpAYLQ8c

Paisa, Rossellini (1946): temática neorrealista, estructura episódica y estética semidocumentalista.

https://www.youtube.com/watch?v=qkc405kry8g

Alemania, año cero, Rossellini (1948): presenta la Alemania de post-guerra.

https://www.youtube.com/watch?v=4jWi3JymbSI

Stromboli, Rossellini (1949): final abierto, trata sobre el descubrimiento de la fe.

https://www.youtube.com/watch?v=p1dfR1gaaS8

Europa 1951, Rossellini (1951): trata la pérdida de la razón de ser.