El nuevo Resumen Burkholder cap 13 a 17

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5. Características generales del Barroco.

Polaridad Tiple-Bajo: A diferencia del Renacimiento que consiste en la polifonía de voces independientes, en este periodo se enfatiza más en la homofonía. Se usan dos voces, la más aguda (tiple) y la más grave (bajo) como voces esenciales, y dos voces en el medio, escritas o improvisadas.

El Basso Continuo: El compositor escribía la línea del bajo, pero daba espacio a los compositores de realizar una interpretación variada. Se tocaba con varios instrumentos de continuo (clavicémbalo, el órgano, o el laúd) A finales del siglo XVII la línea del bajo se reforzó a con un instrumento melódico como Viola Da Gamba, o el Fagot. La interpretación era variada. Según la pieza, el intérprete podía añadirle notas de paso, o pequeñas melodías, y no todas las piezas tenían Bajo continuo.

Procedimiento Concertato: Ponerse de acuerdo. Los compositores mezclaban voces con instrumentos para que interpretaran diferentes partes. Todo esto lo indicaban en la partitura. También usaban diferentes timbres combinados.

Temperamento Mesotónico y Temperamento Igual: Con la combinación de diferentes timbres surgieron los problemas de afinación. Se emplearon diferentes métodos de afinación, como el Mesotónico que consistía en afinaciones complejas con diferencias de tono entre una nota y otra. También se usó la afinación Igual, que es muy similar a la actual. Con el tiempo, los instrumentos se adaptaron a esta forma de afinación.

Acordes, disonancias, y cromatismo: Pasaron a considerar las notas consonantes como acordes sobre el bajo. Las disonancias no se veían como notas sueltas, sino como notas fuera del acorde, por lo que se comenzaron a utilizar más. El cromatismo se usaba en general como modo de expresar emociones fuertes.

Contrapunto conducido armónicamente: Las reglas del contrapunto cambiaron. Las voces se veían obligadas a acoplarse a la sucesión armónica escrita en el bajo, lo que dio lugar a que el contrapunto se conduzca mediante la armonía, y no de forma individual.

Ritmo regular y ritmo flexible: Los compositores de la época usaban diferente tipos de ritmos dependiendo de la obra. La barra de compás se volvió a utilizar para delimitar los Compases. En las obras vocales de Recitativo usaron el ritmo flexible. En las Danzas se usaba el ritmo regular. Ambos estilos se usaban a menudo para generar contraste, poniendo una obra de ritmo regular al lado de otra de ritmo regular.

Los estilos idiomáticos: EL destacado papel del solista hizo que los compositores escribieran una música de un medio concreto, como el violín, o la voz solista. Cada medio poseía su estilo idiomático específico, y los compositores se dedicaban a ello.

La ornamentación y la improvisación: La música se escribía como una base libre para la interpretación, no como un texto inalterable. Los intérpretes podían agregarle o sacarle cosas dependiendo de su forma de interpretación. Había dos formas: 1-Ornamentos, fórmulas breves como trinos, grupetos, apoyaturas, o mordentes (usados en acentos o cadencias y sobre una nota) 2- división o disminución, se añadían escalas, arpegios, etc. (más que nada sobre líneas lentas)

Los intérpretes podían añadir a menudo cadenzas. Estas son pasajes elaborados que ornamentan cadencias importantes. También se podía sacar un aria de una ópera, o sustituirla por otra. Las obras para órgano se podían abreviar. Toda la música era modificable en base al interpretador o al momento.

Capítulo 14

1. Algunos de los antecedentes de la ópera

El drama pastoral: Obra teatral en verso con música y canciones intercaladas. Proveniente de Grecia y Roma antigua, los dramas pastorales hablaban sobre un amor idílico.Madrigal: Poema de una estrofa transcompuesta a cinco voces para sugerir el dialogo entre los personajes. Algunos eran dramas en miniatura. Algunos compositores solían agruparlos en una serie, como una comedia madrigal, o ciclo de madrigales.Intermedio: interludio musical a modo de entre acto, sobre un asunto pastoral o mitológico. Tenían la función de separar los actos. Los más importantes combinaban diálogos con música coral, danzas, vestuarios, escenografía y efectos escénicos.

2. La Camerata Florentina.

Fundada en Florencia, la Camerata Florentina era una academia en la que se discutía sobre literatura, ciencia y artes, también era el lugar dónde se estaba gestando la nueva música. Entre sus miembros más destacados estaban Vincenzo Galilei, Giulio Caccini y Jacopo Peri.

Ellos discutían sobre cómo ponerle música a las tragedias griegas, para eso utilizaban la "Retórica de las Artes" para poder generar emociones en el público. Creían que las antiguas formas de musicalizar, no llegaban a las emociones de las personas, y que sólo una melodía cantada por un solista podía lograr eso.

3. Estilo Recitativo.

Uno de los recursos se basó en la manera que tenían los antiguos griegos de entonar la voz para recitar poemas heroicos llamado diastemático, en donde el discurso tenía constantes cambios de altura tonal y, dependiendo de la ocasión, podía acelerarse o prolongarse. Peri optó por dejar fijo el bajo continuo y dejar que la voz vaya desplazándose libremente entre consonancias y disonancias, y cuando aparecían sílabas que debían acentuarse, hacía que sonasen consonantes con el bajo.

4. Impactos de la Monodia.

Los distintos estilos de monodia, incluidos el recitativo, el aria, y el madrigal, influenciaron notablemente tanto a la música sacra como a la profana, ya que facilitaba musicalizar los textos. También hizo posible el teatro musical, porque podía traducirlo todo en música.

5. L’Orfeo.

L'Orfeo fue la primera ópera de Monteverdi, ésta tenía cinco actos que giraban alrededor de un Canto de Orfeo y terminaba con un conjunto vocal que comentaba la situación, como los coros de la tragedia griega, y su Prólogo es un aria estrófico con ritornello. Monteverdi utilizó la variación estrófica para reflejar la acentuación y el significado del texto, e incluyó dúos y danzas, como madrigales y balletos para conjuntos, brindando a la obra distintos estados de ánimo del drama.

Escribió cada estrofa con una melodía diferente, cambiando la duración de las armonías, para cambiar el significado del texto, procedimiento denominado Variación Estrófica.

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