MITAD DEL SIGLO XIX: NACIMIENTO DEL ARTE MODERNO

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Además, empieza a representar las cosas, dentro del mismo cuadro, como si fueran vistas independientes una de otras, de manera que produce imágenes incongruentes con la perspectiva tradicional.

Vincent Van Gogh (1853-1890)

Dada su condición de artista no profesional, plasmó en su pintura una necesidad creativa salida de lo más hondo de su personalidad. Nacido en Holanda, entró en contacto con las novedades impresionistas a partir de su instalación en París en 1886, en concreto el toque puntillista y la claridad de la estampa japonesa. Pero fue en el soleado sur de Francia donde realizó su obra más característica.

Allí, la pincelada se hace más gruesa, se agita y ondula como si estuviera arrastrada por un torbellino que va definiendo la forma de las cosas, más alla incluso de ellas mismas. Los colores son planos, pero fuertemente empastados, dados con energía, reflejo de la intensidad que emana del alma del artista.

Paul Gauguin (1848-1903)

Representa un esfuerzo creciente y continuado por hallar en el mundo primitivo lo esencial de la condición humana. Gauguin se estableció en Bretaña donde configura un estilo pictórico denominado sintetismo, inspirado en las vidrieras y esmaltes del arte medieval, donde las figuras ya definidas por líneas que componen un ritmo ondulante en una superficie plana rellena de colores brillantes e irreales producen un efecto mágico. Luego descubre las posibilidades de la pintura para expresar contenidos simbólicos y en 1891 se instala en Tahití donde funde símbolos religiosos de oriente y occidente, idílicamente armonizados, fruto de una pureza ancestral.

Uniéndose de ese modo a la corriente artística del simbolismo trata de evocar ideas inmateriales o suscitar emociones espirituales, a través de imágenes, colores y formas alejadas de toda descripción física o real. Sus temas inspirados en la religión, la mitología o en ritos o actitudes misteriosas, adquieren valores simbólicos. Los simbolistas recuperan el interés hacia lo místico frente a lo natural, de lo enigmático frente a lo comprensible, y sobre todo de lo intelectual frente a lo sensorial.

INICIO DEL SIGLO XX: LAS VANGUARDIAS

Se usa el término vanguardia para aludir a la manera brusca en que estos movimientos se abrieron paso en un contexto artístico que todavía dependía estéticamente de modelos tradicionales, con los que chocaron a causa del radicalismo de sus propuestas. Sin embargo, se califican de históricas porque sus hallazgos y alternativas ya forman parte de la cultura occidental.

La causa de la aparición de las vanguardias hay que buscarla en la multiplicación de las formas de percibir el mundo y su organización. El arte deja de ser la expresión de un ideal colectivo unitario porque la sociedad no es uniforme. El artista ya no reproduce lo que otros consideran bellos, sino que investiga y encuentra.

Cada uno de los movimientos de vanguardia obedece a un talante propio que trata de vincular de manera profunda el arte con la vida, otorgando a aquel una capacidad transformadora, como nunca antes había tenido. Por eso sus hallazgos estéticos son inseparables de esas actitudes vitales. Sin embargo, terminan de construir un determinado lenguaje artístico que ya forma parte del gusto colectivo. Es decir: los resultados artísticos del cubismo, futurismo, expresionismo, abstracción, dadaísmo o surrealismo, que son los principales movimientos de vanguardia, constituyen referentes estéticos, integrados ya en nuestra manera de apreciar la belleza de la creación.

CUBISMO

Los orígenes del cubismo hay que situarlos en las experiencias que llevan a cabo Pablo Picasso (1881-1973) y Georges Branque (1882-1963) entre 1906 y 1909. Picasso, tras asimilar el postimpresionismo y pasar por un cierto simbolismo expresionista, conocido como las etapas > y > de su producción, entra en contacto hacia 1906 con diversas influencias estéticas que resultan decisivas en su trayectoria:

- La valoración de la obra de Cézanne, muerto ese año que pretendió hacer del impresionismo algo sólido y duradero donde las cosas tenían una entidad al margen de su contemplación.

- Los relieves ibéricos de Osuna, expuestos en el Louvre, de formas simples y estilizadas, con gran fuerza expresiva.

- El arte africano, cuyas mascaras, de rasgos angulosos y rotundos, poseían una corporeidad imponente y abstracta.

Resultado de todo ello es una obra capital, las señoritas de Aviñon, donde representa a las mujeres de un prostíbulo de la calle Avinyó de Barcelona que se exhiben desnudas, pero lo verdaderamente novedoso es su > a base de planos quebrados, como su fuera un relieve, que niega la ilusión de profundidad y, sin embargo, produce una rotunda sensación de volumen.

El nombre al movimiento se le dio poco después, cuando expusieron algunos paisajes en el Salón de Otoño en 1908, que parecía tener forma de cubos, se usó el termino cubismo para identificar una forma de pintar basada en planos luminosos y transparentes que definían las cosas.

El cubismo para conseguir una representación y acepción del objeto, procedía, primero, a su fragmentación en planos pictóricos, con el cubismo analítico, y después, mediante adicción de elementos reales y pintados que aluden a él, con el cubismo sintético. Esta fase trae como consecuencia la aparición de otro objeto, el objeto-cuadro, concebido como una construcción con valor real, en lugar de parecer una ventana ilusoria a otra realidad.

Cubismo analítico

Queda formulado entre 1909 y 1911, consiste en abordar la representación de los objetos a base de una multitud de planos pictóricos, definidos a partir de una maraña de líneas geométricas entrecruzadas, que aluden a la multiplicidad de percepciones físicas y metales que se pueden tener de un objeto, cuando es considerado en sí mismo. Los cuadros de esta época son, más bien, medianos o pequeños, y están ejecutados con una gama cromática reducida y apagada donde abundan ocres y verdes.

Cubismo sintético

Desde 1911, Picasso y Braque empezaron a pintar en sus cuadros partituras musicales, letras de imprenta, como otra manera fragmentaria de aludir a las cosas. Otra posibilidad era sugerir la textura del papel impreso, la rejilla de las sillas o la madera de la guitarra, que también eran dimensiones de la realidad.

En cierto momento, empezaron